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POR JOHN DARMAND

Para el Semanario de la Ciudad Capital

Hace décadas recibí una postal de un estudiante aficionado a Wagner. Decía: Anoche fui a Bayreuth. Ahora no tengo nada por qué vivir. Eso es similar a mi experiencia con nuestra producción local de LOrfeo del compositor Claudio Monteverdi y el libretista Alessandro Striggio. ¡Cómo Todd Hunt, siempre sumergido como experto en este y aquel medio musical, tuvo la ambición, el conocimiento y la perseverancia para poner en escena esta ópera de 1607 que rara vez se escucha en esta pequeña ciudad nuestra está más allá de mi comprensión! Su dirección precisa, apoyada por la puesta en escena discreta y dramáticamente reforzada de Sarah Schfer Calvert, mantuvo la atención de la audiencia en el movimiento del drama.

En primer lugar, entré en el pasillo y leí el mensaje proyectado sobre el proscenio: Cerberus ha sido entrenado para buscar un alma con el sonido del timbre de un teléfono celular. Inmediatamente, metí la mano en mi bolsillo y apagué mi teléfono celular, ¡salvándome de la feroz retribución de esos caninos de tres cabezas!

Luego vino la ópera! La etapa fue única en mi experiencia. Era algo estrecho y rodeaba a los instrumentistas, lo que permitía que los personajes del drama se movieran libremente alrededor de la orquesta. Algunos de ellos incluso se paseaban entre el público mientras interpretaban sus papeles.

La trama era sencilla. Orfeo amaba a Eurídice y pasó la primera parte de la ópera cantando sobre su adoración por ella. ¡De repente, la trama se complica! Se enteró de que Eurídice había sido mordida fatalmente por un áspid. ¡Hola, Cleopatra y Dido! ¿Las heroínas de la ópera morían por algo más en esos días?

Al recibir la noticia, el desconsolado Orfeo, interpretado de manera convincente por Sumner Thompson, cantó su famoso lamento, Tu se morta, con más sentimiento del que jamás había oído pronunciar. Luego descendió al inframundo. En el camino, arrulló al barquero Caronte para que se durmiera y se apoderó de su ferry. Muy hábilmente en esta producción, la bailarina Bridget Gehring, con movimientos hipnóticos, sacó a Caronte de la escena. Esto fue un poco decepcionante para mí, porque Peter Morgan, como Caronte, había estado cantando suavemente, resonante y, bueno, deliciosamente. Sin embargo, Orfeo, nuevamente por su hermoso canto, ganó la simpatía de Apolo, quien le concedió permiso para devolver a Eurídice de donde había venido. Dime, ¿qué estaba haciendo esta señora justa allí en primer lugar?

De todos modos, se le ordenó a Orfeo que no mirara hacia atrás a su amada en el camino a casa. Por desgracia, en lugar de cabalgar hacia la puesta del sol y vivir feliz para siempre, miró hacia atrás y ella desapareció (en lugar de convertirse en una columna de sal como lo hizo la esposa de Lot). En el mito griego original, Eurídice desaparece para siempre. En esta producción, sin embargo, Apolo, con la importante ayuda de Monteverdi, permite que Orfeo la vea a partir de entonces en las estrellas. Si eso es un final feliz, ¿por qué no estoy sonriendo?

¡Si no asististe a esta producción, eres un ser muy desafortunado! ¡Fue excepcional en todos los sentidos! Una de las características más memorables fue el grupo casi omnipresente de jóvenes bailarines del Juneau Dance Theatre. Sus movimientos simples pero precisos realzaban cada escena en la que aparecían.

Kathleen Wayne interpretó maravillosamente a Eurydice. Lamentablemente, ese viejo áspid malo interrumpió su actuación, pero cantó lo suficiente como para revelar por qué Orfeo se había enamorado perdidamente de ella.

Cuando los cantantes cantaban tout ensemble, producían un equilibrio y una plenitud estentórea dignos de cualquier actuación coral. Shawn Damerval proyectó traducciones de las líneas italianas sobre el proscenio, mejorando así la comprensión del libreto por parte del público. ¿Cuántas ciudades del tamaño de Juneau llegan a este punto?

Muchos de los cantantes se dividieron en pequeños grupos para contribuciones específicas al drama, y ​​cumplieron con esta responsabilidad admirablemente. Inusualmente impresionante fue el canto a dúo de Zebadiah Bodine y Steven Arends.

Los disfraces eran de muchos colores, pero todos estaban apagados. Tal fue el reconocimiento de la diseñadora Valerie Snyders a la contribución del vestuario al ambiente trágico del drama.

¡Tenga en cuenta que el temperamento igual era todo menos un sueño, y muchos instrumentos que lo adoptarían con facilidad más tarde aún no se habían fabricado! Recientemente, un crítico criticó a un arpista por usar demasiado pedal. En esta interpretación, el arpa tenía tres capas de cuerdas y ningún pedal. ¿Alguna vez has asistido a una actuación en algún lugar y has visto los dos cuellos de una tiorba? Gracias a los artistas visitantes con sus instrumentos únicos, esta ópera presentó sonidos nunca antes escuchados en Juneau. Pasarían 115 años antes de que Bach demostrara el mismo temperamento que Das wohltemperierte Klavier.

La realización del bajo figurado por parte de los instrumentistas hizo que esta interpretación fuera única. Los cantantes eran conscientes de la libertad de adornar sus líneas, lo que hacían con buen gusto. Los trinos de cabra, empleados en esta producción con sutileza, eran habituales en la composición de LOrfeo.

Los instrumentistas Sharon Hatch, Jamila Hla Shwe, Tomoko Sugawara, August Denhard, John Lutterman y Paul Shipper trajeron sus instrumentos únicos de todas partes para contribuir a la autenticidad de la interpretación de este trabajo temprano. La única justicia para la actuación sería mencionar el nombre de todos los involucrados. Sin embargo, en este delicado oficio de reseñar, parece que mencionar a uno es menospreciar a otro. Por lo tanto, gritaré un vigoroso Bravi a todo el grupo de artistas involucrados mientras me pregunto cómo cualquier producción en el futuro de Juneau podría superar a esta.

Profesor de canto, el Dr. dArmand es director ejecutivo de la Fundación Paul Ulanowsky Memorial para músicos de cámara.